【はじめに】セッティングの時間は短縮できる！肝心の練習時間を増やしましょう

カサメミュージックドラム科講師の桧垣翔平です！
今回は初心者の方向けに、簡単で素早くできるドラムのセッティング方法についてお話ししていきたいと思います。少し長くなりますが、最後までお付き合いいただけると幸いです！

ドラムのセッティングは、演奏のクオリティに直結するとても大事な作業です。しかし、ドラムを始めて間もない方だと、なかなか自分に合ったセッティングが決まらずに時間がかかってしまい、肝心の練習をする時間が削られてしまいがちです。

そこで、初心者の方でも簡単にできるセッティング方法をご紹介します！
※人によって身長や腕の長さが違うため、この記事の内容はあくまでセッティングをする際のヒントとして参考にしていただき、それぞれが叩きやすいように調整してみてくださいね。

【実践編】スティックを活用した、各パーツのセッティング手順

① イスの高さと座り方

・イスの高さは、膝の位置が股関節と同じ高さか、股関節の少し下くらいの位置になるよう調節してみましょう。
・イスは浅めに腰かけ、両足をペダルの上に置いてください。その時の両足の角度は、大体90～100度くらいになるように、イスの位置や高さを調整します。90度より小さい角度だと、脚が動かしづらくなる可能性があるので注意してください。

・僕の場合は、イスの支柱部分の一番下にスティックを当てたまま垂直に立て、座面の底がスティックの先端に触れるくらいの高さにしています（スタジオのイスの座面の厚さによって変わります）。小柄な方や低めのイスがお好みの方は、スティックを地面に垂直に立てて座面の底に合わせるなどして、調整してみてください。

・高さが決まったら、体をバスドラムに対してまっすぐに向けて、バスドラムの円の左端が、股の中心の延長線上に来るくらいの位置に座りましょう。

② スネアドラムの配置

・スネアドラムは、両膝に触れないように体の正面にセッティングします。スネアドラムをなるべくバスドラム側に近付け、水平、または自分側に少しだけ傾けます。この時、スネアドラムを左右に傾けてしまわないよう注意してください。
※バスドラムとハイハット以外は、基本的に水平、または自分の体側に少し傾けて、叩きやすい角度にセッティングします。傾けすぎには注意しましょう！

・スネアスタンドのスネアドラムを支えている3本のツメは、正面から見て上向きの三角形（△）の形にすると、手前にある2本のツメが両脚に当たってしまいます。写真のように逆三角形（▽）になるようにセッティングしてください。

・スネアドラムの高さは、スティックをスネアドラムの上に寝かせて自分の体の方にスライドさせた時、スティックの先端がズボンのベルトの位置（おへその下あたり）に来るのが望ましいです。 このくらいの高さが、スネアドラムを叩く時にもっともスティックにパワーを乗せやすいと言われています。

・自分の体とスネアドラムの距離感は、脇を閉じてリラックスした状態でスティックを構えた時、スティックの先端がスネアドラムの中心に来るようであればOKです。

③ ハイハットの高さと距離

・ハイハットは、スネアの上にスティックを垂直に立てて、スティックの半分くらいの高さにハイハットのエッジ（縁）が来るようセッティングします。

・自分の体とハイハットスタンドの距離感は、脇を閉じ、腕をリラックスした状態で、みぞおちからこぶし２個分くらい離した位置に右手首が来るようにスティックを構えた時、スティックの先端がハイハットのボウ（シンバルの表面の平らな部分）の中心あたりに来るようにしてください。

・その際に、ハイハットのエッジ、ボウの両方とも楽に狙える高さにあるか確認してください。

④ ペダルの踏み位置

・右足のバスドラムのペダルは、拇指球（親指の付け根あたり）がフットボードの中心あたりに来るようにしましょう。

・左足のハイハットのペダルは、つま先がフットボードの一番奥に来るようにしましょう。

・ハイハットペダルは左右に角度をつけすぎないようにして、両足がVの字になるように座ってください。

・ビーターの角度は好みによりますが、45度くらいになるよう調整してください。

⑤ タムタムのバランス

・ハイタムに比べてロータムの方が胴が長くセッティングしづらいので、まずロータムから高さと打面の角度を決めます。打面の角度はスネアと同じく水平、または自分側に少しだけ傾けます。ロータムの底は、バスドラムに触れないギリギリの高さまで下げてセッティングしましょう。
・ロータムのセッティングが決まったら、ハイタムをセッティングします。ハイタムは、打面側のフープを見て、ロータムのフープの高さと打面の角度が同じになるように揃えてください。揃え終わったら、ハイタムとロータムの隙間がバスドラムの中心に来るように、二つをなるべく近付けてコンパクトにします。
・フロアタムはスネアと同じ高さにしましょう。なるべくロータムとバスドラム側に近付け、脇を開けなくてもフロアタムの中心を叩ける位置にセッティングしてください。 右膝とスネア、右膝とフロアタムの距離は同じくらいになるようコンパクトにセッティングしましょう。
・フロアタムのセッティングができたら、スネアからフロアタムまでタム回しをしてみて、問題なく叩けるか微調整しながら確認してください。

※タイコ同士はなるべく近付けてコンパクトにセッティングしましょう。距離が離れていると、タム回しの時に次のタムに狙いを定めにくくなって、ミスの原因になることがあります。また、セッティングをする時は、タイコ同士がぶつからないように気を付けてください。

⑥ クラッシュシンバル＆ライドシンバル

● クラッシュシンバル（上手側）

・上手側のクラッシュシンバルは、ハイハットとハイタムのちょうど間くらいの位置に来るようにセッティングします。スネアの上にスティックを垂直に立て、スティックの先端と同じくらいの高さになるようセッティングします（③ハイハット画像1枚目参照）。

この時、クラッシュシンバルがハイタム側に寄りすぎていたり、自分の体と近すぎたりすると、タム回しなどでスティックを移動する時にぶつかってミスの原因になるので注意してください。

● クラッシュシンバル（下手側）

・下手側のクラッシュシンバルは、フロアタムの上にスティックを垂直に立て、スティックの先端あたりの位置に来るようセッティングします。ライドシンバルのカップ右端の延長線上に、クラッシュシンバルのエッジが来るくらいの位置にセッティングします。

● ライドシンバル

・ライドシンバルは、フロアタムの上にスティックを垂直に立て、スティックの半分くらいの位置に来るようセッティングします（クラッシュシンバル下手側の写真参照）。

・脇を閉じてリラックスした状態で、右手のスティックをライドシンバルの方へ構えた時に、スティックの先端がライドシンバルのボウの中心あたりに来るよう位置を調整します。

・ロータムの上にライドシンバルが少し被っていても大丈夫ですが、軽くタム回しをしてみて、スティックがライドシンバルにぶつからない位置にセッティングしてください。また、ライドシンバルを叩いた時に、シンバルがロータムにぶつからないように、シンバルの高さを調整しましょう。

【まとめ】時短セッティングのポイント

・角度：シンバルとタイコは、叩きやすいように水平にするか、少し自分側へ傾ける。傾けすぎたり、楽器同士がぶつからないように注意する。
・距離：タイコ同士はなるべく間隔を空けず、コンパクトにセッティングする。
・高さの基準（上手側）：スティックの半分の位置→ハイハット。スティックの先端の位置→クラッシュシンバル（上手）。
・高さの基準（下手側）：スティックの半分の位置→ライドシンバル。スティックの先端の位置→クラッシュシンバル（下手）。
・裏技：シンバルやイスの高さは、スネアやフロアタムの上にスティックを垂直に立てるなどして、「スティックを物差し代わりに使う」とセッティングが決めやすくなり、時間短縮につながる。自分の指を物差し代わりに使うのもアリ！
・最終確認：ドラムセット全体を叩いてみて、違和感があったり叩きづらい箇所があれば都度調整する。

【おわりに】自分に合ったセッティングを見つけよう！

いかがでしたでしょうか？
ドラムのセッティングは、最初のうちはどうしても時間がかかってしまうと思いますが、慣れてくれば効率的なセッティングのコツがわかってきて、どんどん速くできるようになります。

セッティングに正解はないので、色々なやり方を試してみて、自分に合ったセッティングを探してみてください。
少し長くなってしまいましたが、この記事がみなさんのドラムセッティングのヒントになれば幸いです。ぜひ参考にしてみてくださいね。

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ドラムのセッティングは、言葉や写真だけではお伝えしきれない「その人の体格や腕の長さに合わせた微調整」がとても重要になります。桧垣先生のレッスンでは、スタジオの機材を使いながら、あなたが一番ラクに、そして良い音で叩ける「あなた専用の最適なセッティング」をマンツーマンで一緒に見つけてくれます。

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【はじめに】マリンバ学習者の大定番！「Modern School」とは？

記事をご覧いただきありがとうございます！講師の村田倫樹と申します。

早速ですが、皆さまはこの教本の表紙を見たことがありますか？

表紙の半分以上を占める男性の写真に、目を奪われた方も多いことでしょう。
小さな木琴に肘を乗せ、笑顔で佇んでいるこの男性は、Morris Goldenberg（モリス・ゴールデンバーグ）氏です。オーケストラでの演奏活動と並行して、いくつかの教育現場でも教鞭を執ったアメリカの打楽器奏者です。

そんな彼が執筆した『Modern School for Xylophone, Marimba, Vibraphone』（以下、Modern School）という教則本は、「マリンバのレッスンを受けたことがある人なら、必ず一度は使ったことがある」と胸を張って言えるほど、世界的にメジャーな一冊です。
実際、私自身も初めてマリンバのレッスンを受けた時はこの本からスタートしましたし、音楽大学に入学してからも何度もレッスンで使用しました。

これほどまでに長く愛用されているのには、当然理由があります。
こちらの記事では、その理由を紐解くと共に、皆さまが『Modern School』に取り組む際の手助けとなる具体的なポイントをお届けしていきたいと思います！

【ポイント①】マリンバの醍醐味「ロール」の習得と発音の意識

マリンバの最大の特徴といえば、「音が自然に減衰していく」ことでしょう。短すぎず長すぎない、あの温かい音色に心を奪われた方もきっと多いのではないでしょうか。

しかし、曲を演奏していると「音をもっと長く伸ばしたい」と感じる場面が当然出てきます。その解決策として生まれたのが「ロール」という奏法です。

そして、実は『Modern School』で一番最初に登場する課題が、この「ロール」の習得なのです。これは、著者のGoldenbergがそれだけロールのテクニックや音色を重要視している、何よりの証拠と言えるのではないでしょうか。

この課題に取り組む際にぜひ意識していただきたいのが、「ロールの発音（アタック）」です。
弦楽器のように優しくフワッと発音するのか、それとも金管楽器がタンギングをした時のようにハッキリと発音するのか。そういった「音の出だし」を意識しながら取り組むだけでも、その後の課題への向き合い方が大きく変わっていくはずです。

【ポイント②】音楽の基本「24の音階」は“弾く前の準備”が鍵

ロールの次は、音階（スケール）の習得へと移ります。

『Modern School』で扱われている24の音階、厳密に言えば「12の長調（明るい音階）と12の短調（暗い音階）」は、音楽の基本中の基本です。このセクションでしっかりと身につけていきましょう。

ここでの最大のポイントは「弾く前の準備」です。
例えば、D-dur（ニ長調）を例に取ってみましょう。右手で「レ」の音を弾いたあと、左手で「ミ」の音を弾きます。左右交互がスケールの基本なので、次の「ファ♯」の音は右手で弾くことになります。
この時、ファ♯を弾く直前になってから右手を動かしているようでは、速いテンポには間に合いません。「レの音を弾いた後、すぐにファ♯を弾く位置へ右手を準備しておく」。これがスケールを滑らかに弾くための最も重要なコツです。

この“先回りする感覚”を、24個すべての調で身につけることがこのセクションの目標です。とても根気のいる練習ですが、ここをじっくりと乗り越えることで、その先の演奏が劇的に楽になります。ぜひご自身のペースで取り組んでみてください。

【ポイント③】応用と音楽表現を磨く「39の練習曲」

総まとめとして用意されているのが、39の練習曲です。

これらの練習曲はプロのオーケストラのオーディション課題として出題されることもあり、一見すると難易度が高く感じるかもしれません。
しかし、じっくり丁寧に紐解いていけば、ほとんどの曲が先ほどの「24の音階」のいずれかをベースに作られていることに気がつくはずです。前のセクションをしっかりと取り組んだ方であれば、きっとそう時間をかけずに弾けるようになります。

中には「Marcia（行進曲風に）」や「Gigue（ジーグ：軽快な舞曲）」など、音楽のキャラクターが明確に示されている練習曲もあります。
練習曲らしく「左右均等に」「正確なテンポで」弾く基礎力はもちろん大切ですが、少し余裕が出てきたら、ぜひ「その曲らしい音楽を表現する」ことにも挑戦してみてください。

（余談ですが、39の練習曲が終わった後のページにも、バッハのヴァイオリン曲やオーケストラのパート譜など、魅力的な楽譜がたくさん掲載されています。ご興味があればぜひそちらにも取り組んでみてくださいね。）

【おわりに】プロの視点を取り入れて、より効果的な練習を！

以上が『Modern School』の主な内容と、取り組み方のポイントです。

今回いくつかコツを書かせていただきましたが、それらはごく一部にすぎません。楽譜から読み取れる情報や、身体の正しい使い方など、実際にレッスンを受けてプロの目線からフィードバックをもらうことが、上達への一番の近道であることには変わりありません。

もしこの記事を読んで「やってみたい」「自分の弾き方を見直してみたい」と思ってくださった方がいらっしゃいましたら、ぜひ一度、体験レッスンにいらしてください！皆さまにお会いできるのを心よりお待ちしております。

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独学で教則本を進めていると、自分のフォームや動きの“どこを直せばいいのか”が分からず、壁にぶつかってしまうことがよくあります。

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ご自身も『Modern School』を深く学び、知り尽くしている村田先生なら、「次の音への準備の仕方」や「美しいロールのアタックの感覚」など、楽譜の文字だけでは伝わらない生きたテクニックを、あなたのクセに合わせて丁寧に指導してくれます。

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【はじめに】「基礎練習って何をすればいいの？」という壁に当たったら

打楽器を始めようと思い、スティックと練習台を最初に購入された方も多いのではないでしょうか。
最初のうちは、叩けば音が出る手軽さに魅了され、思い思いに叩いたり教えてもらった基礎練習をしたりと、楽しく練習されていることと思います。

しかしそのうち、「練習って何をすればいいの？」「音階がないから、どうやったら良い演奏が出来るのか分からない」と、大きな壁に当たる時期がやってきます。これは打楽器を学ぶ上で誰もが通る道です。

今回は、そういった状況に陥った際にオススメできる「小太鼓（スネアドラム）のための教本」をレベル別に皆さまにご紹介します！

【初心者向け】まずはここから！打楽器の基礎を作る2大教本

・Stick Control / George Lawrence Stone

基礎練習に困ったら、まずはこれです！ピアノを習ったことのある方なら「ハノン」という名前を耳にしたことがあるかと思いますが、打楽器における「ハノン」にあたるのがこの教本です。

本を開いてみると、少し驚かれるかもしれません。そこに書かれているのは、たくさんの8分音符と、”R”と”L”のアルファベットのみ（R=Right, L=Left…すなわち手順を表しています）。

一見簡単なように見えますが、実際に取り組んでみるとその奥深さに気づくはずです。最初はリズムがブレたり、音色が揃わなかったりする方がほとんどではないかと思います。

人間には利き手や身体の重心があるため、「左右差」がある人がほとんどです。しかし、この左右差は打楽器の演奏において大きな壁となります。『Stick Control』は、自分の左右差を知るのに最も適している教本であり、打楽器における基礎の全てがつまっていると言っても過言ではありません。
いつもの基礎練習に行き詰まりを感じた方は、ぜひ取り入れてみてください。

・Modern School for Snare Drum / Morris Goldenberg

こちらの教本も、最初に壁に当たった方へオススメできる一冊です。

最初は『Stick Control』から派生したような簡単な練習曲が続きますが、次第に装飾音符やロールが入った練習曲、デュオなどが加わってきます。

この教本に取り組む時に忘れてはならないことは2つ。「左右差なく均等に叩くこと」と「スネアドラムで歌うこと」です。
曲らしいものに取り組めるようになると気持ちも弾みますが、焦ってしまい、せっかく積み重ねてきた基礎が台無しになってしまっては意味がありません。常に左右差に気を配り、均等に叩けるように意識しましょう。

だからといって、機械的になりすぎるのも避けるべきです。せっかく曲を演奏するのですから、多少の歌心も必要です。「リズムを演奏する楽しさ」を見出すのも、この教本の重要な役割です。

本の後半には、西洋音楽史上初めて打楽器のためだけに作曲された作品「Ionisation」のスコアや、いくつかのオーケストラ作品のパート譜も掲載されています。息抜きにスコアを眺めてみるのも面白いですよ。

【上級者向け】表現力とテクニックを極めるための名著

・Portraits in Rhythm / Anthony J. Cirone

こちらの教本は、いくつかの音楽大学の入試課題としても使われているものです。

この教本の中には50の練習曲が収録されていますが、そのどれもが先ほどの『Modern School for Snare Drum』よりも「実践的（音楽的）」と言えます。例えば入試頻出の13番には、強弱の変化はもちろんのこと、テンポの変化、音楽のニュアンスまで細かく記されています。

「この楽語はどういう意味なんだろう」「どうやったら音楽に表情がつけられるだろうか」。そんなことを考えながら1曲1曲真摯に取り組むだけで、表現の幅が広がること間違いなしです。

各曲の冒頭には丁寧な解説文が掲載されていますし、「Complete Study Guide」という公式の解説書も存在しています。少し余裕が出てきたら、楽譜以外の情報にも目を向けて深く読み解いてみるのもおすすめです。

・Douze Etudes pour Caisse-Claire / Jacques Delecluse

音楽的な表現よりも、さらに高度なテクニックに挑戦したいという方にオススメなのがこちらの一冊です。

この教本は、一筋縄ではいかない非常に緻密な内容になっています。拍をまたぐ連符が登場したり、通常の記譜とは異なる書き方がされていたり、subito p（突然弱く）が頻出したり……。中途半端に取り組もうとすると、すぐにつまずいてしまう難易度です。

最初は投げ出したくなるかもしれませんが、修行だと思ってとにかくじっくり、1フレーズずつゆっくりと練習していきましょう。その先には、必ず結果が実る日が来ます。
ちなみに、著者のDelecluse氏は、これ以外にも多くの教本・作品を発表していますが、どれも非常に挑戦的な内容です。ご興味があればぜひ調べてみてください。

【おわりに】独学の限界を感じたら、プロの視点を取り入れてみませんか？

ここまでオススメの教本を紹介してきましたが、これらの優れた教本を使って練習に取り組んだとしても、自分一人で「正しく叩けているか」を判断するのは難しく、独学には限界があるのもまた事実です。

「左右差がどうしても埋まらない」「ロールが綺麗に繋がらない」など、より高いレベルの演奏ができるようになりたい方は、ぜひ一度体験レッスンにお越しください。

皆さまの現在の状況やご要望をしっかりとヒアリングし、一人ひとりに適した教材・カリキュラムをご提案させていただきます！

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「教本を買ってみたけれど、自分の叩き方が合っているのか分からない」
「スティック・コントロールを練習しているのに、どうしても左右の音が揃わない」

もしあなたが独学でそんな壁を感じているなら、ぜひ一度村田先生の体験レッスンにお越しください。

スネアドラムは、グリップ（握り方）やフォームのほんの少しのズレが、上達の大きな妨げになってしまう繊細な楽器です。村田先生のレッスンでは、あなたの現在のフォームや左右差を客観的にチェックし、「どの教本の、どのページを重点的に練習すれば一番効果的か」を的確にアドバイスしてくれます。

プロの視点を取り入れることで、いつもの基礎練習が「意味のある質の高い時間」へと劇的に変わりますよ！
初心者の方から音大受験を目指す上級者の方まで、まずは体験レッスンであなたのご要望をお気軽にお聞かせください。

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【悩み】「歌と楽器がバラバラになる」——弾き語り特有のもどかしさ

「ピアノを弾きながら歌うことに憧れて始めたけれど、いざやってみるとバラバラになってしまう……」
「楽器のコードを追うのに必死で、歌にちっとも感情が込められない」

そんな悩みを抱えていませんか？

一人で伴奏も歌も奏でる弾き語りは、自分の呼吸ひとつで音楽を操れる、最高に自由で贅沢な表現スタイルです。しかし、いざ挑戦してみると「二つのことを同時に行う」という壁にぶつかり、「自分には音楽のセンスがないのかも」と諦めてしまう方も少なくありません。

でも、安心してください。10年間、小学生からシニアの方まで多くの方を指導してきて、断言できることがあります。それは、弾き語りがうまくいかない原因は才能の問題ではなく、単に「歌」と「楽器」を繋ぐ「正しい地図」を持っていないだけだということです。

【原因】なぜ歌と演奏が噛み合わないのか？プロの視点から見る2つの理由

弾き語りが空回りしてしまう原因は、主に2つあります。

■ 「意識の余裕」がなくなっている

指先の動きや複雑なコード進行に意識が100%向いている状態では、喉をリラックスさせたり、繊細な表現にまで気を配ったりする余裕がなくなってしまいます。

■ 「呼吸」と「リズム」の断絶

歌のリズムと楽器のリズムを別々の「点」で捉えているため、両者がぶつかり合ってしまいます。歌には歌の、楽器には楽器の都合で動こうとするため、音楽としてのグルーヴが生まれないのです。

作詞・作曲も手がける立場から言えば、弾き語りは「歌＋伴奏」という足し算ではありません。「歌と伴奏が溶け合って一つの物語を作る」という掛け算の作業なのです。ここを整理するだけで、演奏は劇的に変わります。

【解決策】歌と楽器を一つに繋げる3つのステップと、あなた専用のアレンジ

では、どうすれば楽に、心地よく弾き語れるようになるのでしょうか。

① 楽器の動きを「無意識」のレベルまで落とし込む

まずは楽器の伴奏だけを、無意識に手が動くくらいまで体に染み込ませます。指が自然と動く状態を作って初めて、脳の余白を「歌」に使えるようになります。

② 呼吸でリズムを同期させる

声楽の基本である「深い腹式呼吸」は、とても頼りになるメトロノームです。楽器の拍に合わせて息を吸い、歌のフレーズで吐く。呼吸を軸にすることで、歌と演奏のタイミングが自然と一致し始めます。

③ あなたのレベルに合わせた「オーダーメイド・アレンジ」

市販の楽譜を見て「難しすぎて指が動かない」と落ち込む必要はありません。生徒さんの現在のレベルに合わせて、その場でおしゃれで弾きやすい伴奏にアレンジできるのが、私のレッスンの強みです。

「左手はシンプルに、でも響きはプロっぽく」「サビでは歌を支える華やかな和音に」といった調整を行うことで、無理なく、今のあなたが最高に輝くサウンドを作り上げます。

【実例】結婚式でサプライズ！憧れの曲を自分専用のアレンジで披露した生徒さん

以前、「どうしてもこの曲を自身の結婚式で演奏して、新郎やゲストの皆様を驚かせたい」という生徒さんがいらっしゃいました。

原曲のピアノ譜面は非常に複雑でしたが、私は彼女の指の動きと声の良さを見極め、「彼女専用の特別アレンジ譜」を作成しました。
当日は、自信に満ちた笑顔で見事に歌い上げてくださり、本当に素晴らしい時間となりました。

【まとめ】いつか弾き語ってみたい。あなただけの「物語」を奏でませんか？

音楽を始めるのに遅すぎることはありませんし、才能という言葉で片付ける必要もありません。

専門的な声楽の基礎、メジャー現場での表現力、そして楽曲を俯瞰する作詞・作曲・編曲の視点。これらを総動員して、あなたの「歌いたい」と「弾きたい」を一つに繋げるお手伝いをいたします。

「いつかあの曲を弾き語ってみたい」
その夢を、夢のままで終わらせるのはもったいないです。

明るく安心感のある雰囲気の中で、あなただけの「オーダーメイド・レッスン」を体験してみませんか？
「自分でも気づかなかった自分の声と音」に出会う喜びを、一緒に体感しましょう。

市販の楽譜が難しくて挫折した方も大丈夫！あなた専用のアレンジで弾き語りデビューしませんか？

「楽譜通りに弾こうとすると指が追いつかず、歌がおろそかになってしまう」
「弾き語りの教則本を買ってみたけれど、難しすぎて心が折れてしまった」

独学でそんな壁にぶつかっている方は、ぜひ一度kozue先生の体験レッスンにお越しください。

作詞・作曲・編曲のスキルを持つkozue先生のレッスンでは、「難しい楽譜を根性で弾けるようにする」のではなく、「あなたの今のレベルに合わせて、一番素敵に聴こえる伴奏にその場でアレンジし直す」という魔法のようなアプローチが可能です！

もちろん、声楽の基礎に基づいた「呼吸の使い方」もしっかりサポート。歌と楽器がバラバラになってしまう原因を一つひとつ紐解き、無理なく心地よい弾き語りへと導いてくれます。

あなたの「この曲を弾き語りしてみたい！」という憧れを、体験レッスンでお気軽にお聞かせください。一緒にその夢を叶えましょう！

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その悩み、実は「才能」や「年齢」のせいではありません

「昔から音程が取れなくて……」
「最近、少し歌うだけで喉がすぐに枯れてしまう」
「もうこの年齢から始めても上達しないのでは？」

そんな不安を抱えていませんか？

歌いたい気持ちはあるのに、思い通りに声が出ない。それは本当にもどかしいことですよね。でも、10年間、小学生からシニアの方まで多くの方を指導してきて断言できることがあります。それは、

「声が出ない原因は才能ではなく、喉の使い方が『迷子』になっているだけ」

ということです。

【原因】なぜ、思い通りに歌えないのか？（プロの視点から）

高校・大学で声楽を専門的に学び、メジャーの現場も経験してきた私から見ると、多くの方が陥っている原因は主に2つあります。

■ 「喉の筋力バランス」の崩れ

声帯は繊細な筋肉の集まりです。高い音を出そうと無理に喉を締めたり、逆に息を漏らしすぎたりすることで、バランスが崩れ、枯れやすくなったりピッチが不安定になったりします。

■ 「自己イメージ」と「身体の動き」のズレ

「高い音＝頑張って出すもの」という思い込みが、体に余計な力みを生んでいます。クラシックの発声基礎から見れば、実は高い音ほど「脱力」が必要です。

【解決策】喉を解放する「正しい呼吸」と「共鳴」のコツ

では、どうすれば楽に、心地よい声を手に入れられるのでしょうか。今日から意識できるポイントを一つお伝えしますね。解決の鍵は「あくびの喉」と「深い呼吸」です。

歌う時の理想的な状態は、リラックスした「あくび」の瞬間に似ています。

1. 喉の奥を開ける

あくびをする時のように、軟口蓋（口の奥の天井の柔らかい部分）をそっと上げます。これだけで声の通り道が広がります。

2. 腹式呼吸の「支え」

肩を上げず、お腹の底に深く息を吸い込みます。吐く息を一定にコントロールすることで、声帯に余計な負担をかけずに声を響かせることができます。

作詞作曲を行う立場からも言えることですが、歌は「言葉」を届けるものです。正しい呼吸が整うと、言葉一つひとつに感情が乗りやすくなり、表現の幅が大きく広がっていきます。

【実例】60代から始めた生徒さんや、合唱団に合格したお子様の変化

私のレッスンに通い始めた、ある60代の女性のエピソードをご紹介します。
彼女は最初、「この年齢で高い声を出すのは無理ですよね」と諦め半分でいらっしゃいました。長年の癖で、高い音になると喉をギュッと締めてしまい、1曲歌うと声がガラガラになっていたのです。

そこで、まずは難しいテクニックを捨て、声楽の基礎である「身体を楽器にする感覚」を丁寧に紐解いていきました。数ヶ月後、彼女は「人生で今が一番、歌うのが楽しいです！」と笑顔でお話ししてくれました。

また、NHK東京児童合唱団のオーディションに合格した生徒さんも、最初は自分の声に自信が持てないお子様でした。しかし、正しい基礎を積み上げることで、本番で「自分らしい声」を堂々と響かせることができたのです。

【まとめ】あなたの「声」には、まだ見ぬ可能性があります

歌を始めるのに遅すぎることはありませんし、才能という言葉で片付ける必要もありません。

あなただけの声に合わせた「オーダーメイドの地図」を一緒に描いていきましょう。
「自分でも気づかなかった自分の声」に出会う喜びは、何物にも代えがたい体験です。

まずは一度、リラックスした雰囲気の中で声を出しに来てみませんか？
あなたの目標や個性に寄り添い、着実に力を伸ばせるようサポートいたします。

「もう遅いかも」「才能がないかも」と諦める前に、あなただけの声を見つけませんか？

「高い声が出ない」「歌うとすぐ喉が痛くなる」
そんなお悩みは、決して才能や年齢のせいではありません。ただ「喉の正しい使い方」の地図を持っていないだけなのです。

kozue先生のレッスンでは、声楽の確かな基礎とメジャー現場での豊富な経験を活かし、一人ひとりの身体や声質に合わせた「オーダーメイドの地図」を一緒に探してくれます。

お子様からシニアの方まで、年齢や経験は全く問いません。無理な力みを捨てて、「自分でも気づかなかった、本当の自分の声」に出会う感動を味わってみませんか？

今の声のお悩み、目標、好きなジャンルなど、まずは体験レッスンで何でもお気軽にお聞かせください。あなたにお会いできるのを楽しみにしています！

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【お悩み】 「音がかすれる」「高音が苦しい」…トランペット独学の限界と壁

トランペットは音が出るまでが比較的早い楽器ですが、そこから先で壁にぶつかる方が多いです。

よくあるのが、「音がかすれる」「安定しない」という悩みです。
しっかり吹いているつもりでも、思ったような音にならないことがあります。

また、高い音になると急に苦しくなったり、力んでしまうことも多いです。
無理に押し出そうとすると、逆に音が詰まりやすくなります。

さらに、練習しているのに変化が感じられないという声もよく聞きます。
原因が分からないまま続けると、同じところを行き来する状態になりがちです。

【ステップ】 初心者のための上達ロードマップ（3ヶ月の目安）

■ 最初の1ヶ月：息の使い方と音の安定
最初の1ヶ月は、息の使い方と音の安定を整えます。
しっかり息を流すことを覚えるだけでも、音は大きく変わります。

■ 2ヶ月目：音域とコントロールの拡大
2ヶ月目は、音域とコントロールを広げていきます。
音階や簡単なフレーズを使いながら、狙った音に当てる練習をします。

■ 3ヶ月目：曲を通した演奏
3ヶ月目には、曲を通して吹くことができるようになります。
この段階で「演奏している感覚」がしっかり出てきます。

【練習法】 忙しい人向けの時短練習！複合的に鍛える「リップスラー」

トランペットは、息の使い方が大きく影響する楽器です。
その中でも、息だけでなく顎やお腹など様々な部位を複合的に使う「リップスラー」がおすすめです。

短時間でも、
「音を伸ばす → 音をつなぐ → フレーズを意識した滑らかさ」
という流れを意識すると、効率よく整っていきます。

長時間吹くよりも、毎回同じ状態を再現することが上達につながります。

【まとめ】 トランペットは「力」ではなく「使い方」の楽器です

トランペットはシンプルに見えて、少しの違いで大きく変わる楽器です。
うまくいかない場合は、力ではなく「使い方」の問題であることが多いです。

「今の吹き方で合っているのか知りたい」
そんな方は、一度見直してみるだけでも変化が出てきます。
気軽にご相談ください。

「今の吹き方、これで合ってる？」と迷ったら、一度プロの視点を取り入れてみませんか？

「高い音を出そうとすると、どうしても唇や首に力が入ってしまう」
「教則本通りに練習しているはずなのに、音がかすれてしまう」

独学でそんな壁にぶつかっている方は、ぜひ一度鈴木亮慶先生の体験レッスンにお越しください。

トランペットは、ちょっとした息の流し方や身体の使い方の違いで、劇的に音が変わる楽器です。
鈴木亮慶先生のレッスンでは、根性論で無理に音を押し出すのではなく、あなたの現在の吹き方を丁寧に確認し、「なぜ力んでしまうのか」「どうすればラクに鳴るのか」を分かりやすく紐解いていきます。

短時間でも効率よく上達できる「リップスラー」などの正しい練習法を知れば、トランペットを吹く時間がもっと楽しくなりますよ！
初心者の方も、伸び悩んでいる経験者の方も、まずは体験レッスンでお気軽にご自身の今の吹き方をご相談ください。

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はじめまして！
作曲・DTM講師のYuuと申します！

フリーランスの作曲家として、ゲームやアニメなどを中心とした楽曲制作を行っています。

特にゲーム音楽では、場面やシチュエーションに合わせて「どんな雰囲気を作るか」がとても重要になります。
そのため私は、目的やイメージに合わせて楽曲を形にしていくことを得意としています。

【制作の流れ】イメージを形にする第一歩。既存曲をお手本にする作曲術

曲作りを始める時に、

「なんとなくイメージはあるけど、どう形にすれば良いか分からない」
「何から始めれば良いのか分からない」

と悩む方もいらっしゃると思います。

いきなりゼロからオリジナルを生み出すことは難しいので、
私のレッスンでは、生徒様にイメージに近い既存の曲や、好きなアーティストの曲などを教えていただき、
その曲をお手本として参考にしながら制作していくことが多いです。

当記事では、テーマ・コンセプトを決め、どのような流れで楽曲制作を行っていくか、できるだけシンプルにお伝えできればと思います。

【ステップ①】曲のテーマと3つの基本要素（メロディ・リズム・コード）を決めよう

今回は「爽やかで落ち着いた雰囲気のダンスポップ」を一例としてご紹介します。

楽曲はたくさんの音でできていますが、まずは3つの要素に分けて考えてみましょう。

・メインとなる”メロディ”
・リズムを作る”ドラム”
・コード（和音）を担当する”ギター”

この3つがあるだけでも、曲の土台を作ることができます。

また、テンポも重要な要素です。
今回は「落ち着いた雰囲気」にしたいので、BPM128にしました。
DAWでは、簡単にテンポを変えることができますので、まずはだいたいの数字に設定して、作りながら微調整していくことも可能です。

使う楽器、テンポが決まったら、実際に打ち込みを始めていくことになりますが、

“メロディ”
“リズム”
“コード（和音）”

これらのどれから始めてもOKです！
頭の中でイメージできているものから順番に打ち込んでいきましょう。

「あまりイメージができていないor打ち込み方が分からない」
という場合は、最初にコードを決めてから、メロディを乗せていくことをおすすめしています。

メロディが先にあって、後からコードをつける方法は少し難しいからです。

コード進行とは？初心者にもやさしい2つの進め方

コード（和音）を曲の流れに沿って並べたものを「コード進行」といいます。

C→Dm7→Em7→Dm7

このような表記を見たことはありますでしょうか？（なくても大丈夫です！）
今回はこのコード進行を元に作曲を進めていきたいと思います。

ちなみに実際のレッスンでは・・・

音楽理論を勉強するのはちょっと抵抗が・・・という方には
→すぐに実践できるよう、コード進行のパターンをこちらからご提案

音楽理論を基礎から勉強してみたい、という方には
→コードの仕組み、役割などを少しずつ解説いたします。

【ステップ②】DAWで実際に打ち込んでみよう！順番はどれからでもOK

決めたコード進行にそって和音をギターで打ち込んでみました。
Cはドミソ、Dm7はレファラド…といった感じです。
コードについてもゆっくり覚えていきましょう！

これによって曲の明るさ等のイメージが少しずつ決まってきます。

次はドラムを入れてみましょう。
最初にアクセントとしてクラッシュシンバルを１回(C#2)
バスドラム（キックと言ったりもします）を１小節の中で４回打ち込みます(C1)。

最後にメロディをいれます。
実は今回のコード進行は、基本的には白鍵の音であればどれでも合うようになっています。

実際のレッスンでは、キーやスケールといった、より詳しい内容をご説明いたします。

ここまでの曲を聴いてみましょう！

楽曲制作の一歩目として、少し形になったのではないでしょうか。

【ステップ③】ここからが本番！アレンジ（編曲）を加えた完成イメージを聴いてみよう

実際のレッスンではここから、楽器の編成を足していったり、
Aメロ・Bメロ・サビ、のような構成を考えたり、
盛り上がりなどの展開を作って、楽曲に変化を加えたり・・・といった編曲（アレンジ）を行っていきます。

先ほどの曲を元に進めていくとこんな感じに仕上がります。

【おわりに】「分からなくても大丈夫」あなたのペースで進めるマンツーマンレッスン

生徒様一人ひとりに合わせた内容にできることが、マンツーマン形式のレッスンのメリットです。
「この記事を読んでみたけど、あんまり理解できなかった…」
という方にも、安心してレッスンができるよう、少しずつ無理のないペースで一緒に進めていければと思っています。

最後までご覧いただき、ありがとうございました！

頭の中にある「こんな雰囲気の曲を作ってみたい」を、一緒に音にしてみませんか？

「頭の中になんとなくメロディはあるのに、パソコンに向かうと形にならない」
「コード進行とか音楽理論という言葉を聞いただけでフリーズしてしまう」

もしあなたがそんな悩みを抱えているなら、ぜひ一度、Yuu先生のDTM・作曲レッスンにお越しください！

ゲーム・アニメ音楽を多数手掛けてきたYuu先生は、**「抽象的なイメージを楽曲という形に翻訳するプロフェッショナル」**です。

本文にもあった通り、理論が苦手な方には「まずはこれを使えば大丈夫！」という美味しいコードパターンをご提案し、深く知りたい方には仕組みからロジカルに解説。あなたの作りたいジャンルや性格に合わせて、進め方を100%オーダーメイドしてくれます。

「DAWソフトを開いたばかりの完全初心者」から「オリジナル曲を完成させてみたい方」まで大歓迎！まずは体験レッスンで、あなたの好きな曲や作りたいイメージをお気軽にお話ししてみてくださいね。

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